ERROR

vista da instalação no espaço Sótão em Caldas da Rainha
cortesia do artista



ERROR





Tiago Margaça
10 MAR » 10 ABR 2010
Inauguração no dia 10 de Março às 21:30

http://error.creare.pt

PerFormas – estúdio de artes performativas
Teatro Avenida, Largo do Mercado, 1
3800 – 223 Aveiro

curadoria de Jorge Reis


Press-release



«O maior erro que se pode cometer, é o de ficar o tempo todo com medo de cometer algum.» (William Shakespeare)

ERROR é a primeira intervenção produzida pela organização cultural de Aveiro CREARE no edifício do antigo Cine-Teatro Avenida em Aveiro, com o apoio e co-produção do estúdio de artes performativas PerFormas.

Em ERROR as paredes internas do edifício são a ’folha de papel vazia’ de Tiago Margaça, jovem artista plástico de Aveiro. A ausência dos limites apela a um preenchimento arbitrário das paredes com os desenhos a tinta-da-china do artista. Os desenhos propagam-se pelas paredes do edifício numa sensatez do traço natural e espontâneo. O erro acontece por haver um controlo excessivo para que ele não aconteça.



Informação prática








T. 234 192 331 | 234 192 780
E. performas@performas.org
S. http://performas.org



organização CREARE








T. 234 189 672
E. geral@creare.pt
S. http://creare.pt

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SABREPULSE no TMG



Este fim de semana o Teatro Municipal da Guarda apresenta um espectáculo inédito em Portugal.

SÁBADO 23
Área: Música
Onde: Teatro Municipal da Guarda (POR) no pequeno auditório
A que horas: 21h 30m
Duração: 60M M/4
Bihetes: 5€

http://www.myspace.com/sabrepulse



Sabrepulse é um músico britânico de 24 anos que utiliza Gameboys e outros aparelhos electrónicos que produzem som a 8 bits para criar música de dança, House e Breakbeat.

Sabrepulse integra o leque de artistas do chamado movimento Chiptune em Inglaterra, participando anualmente em digressões internacionais, com o Chiptune Alieance Tour, actuando nos EUA, Japão, e em vários países da Europa e da América do Sul.

O artista desde cedo se viu influenciado pela era dos videojogos, ou melhor, pelo som de 8 e 16 bit dos videojogos e começou a fazer música a partir de Gameboys em finais de 2003, com a ajuda de de uma mesa de mistura.



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Maurizio Cattelan

Maurizio Cattelan, Untitled, 2003
Courtesy Rachofsky Collection, Dallas, TX
© Maurizio Cattelan Photo: Michael Bodycomb



Maurizio Cattelan
February 12 – August 15, 2010

The Menil Collection
1515 Sul Ross Street
Houston, Texas 77006
Tel 713-525-9400
Fax 713-525-9470

http://www.menil.org

Curated by Franklin Sirmans



Press-release

Contemporary Italian artist Maurizio Cattelan (b. 1960) is known for his witty embrace of semantic shifts that result from imaginative plays with materials, objects, and actions. In his work, contradictions in the space between what the artist describes as softness and perversity wage a sarcastic critique on political power structures, from notions of nationalism or the authorities of organized religion to the conceit of the museum and art history. Like the traditions established by Dada and Surrealism, his uncanny juxtapositions uproot stable understandings of the world around us. For Cattelan ev

en the banal is absurd. As he has said, “Comedians manipulate and make fun of reality. Whereas I actually think that reality is far more provocative than my art.”

The exhibition at The Menil Collection, organized by Franklin Sirmans, curator of modern and contemporary art, will be the artist’s first solo show in Texas. The exhibition will focus on recent large-scale works that premiered in Europe in 2007 and will feature sculptures that range in tone from the melancholic and politically contentious to the decidedly irreverent. It will include the monumental and unsettling memento mori, Untitled, 2007, a suspended taxidermied horse with its head buried in the wall, and Ave Maria, 2007, a series of saluting arms that extend from the wall. The translated title “Hail Mary” remains intentionally ambiguous, much like the various cultural meanings conjured up by gestures of allegiance.

Cattelan will also realize additional works for the exhibition in response to site visits to The Menil Collection campus and the museum’s world-famous collection of Surrealist works. Significantly, these pieces will also mark the artist’s return to sculpture-based practice. For the last five years his work has largely centered on publishing and curating. Projects have included the founding of “The Wrong Gallery” in 2002 and its subsequent display within the collection of the Tate Modern from 2005 to 2007; collaborations on the publications Permanent Food, 1996– 2007, and Charley, 2002–present (the former an occasional journal comprising a pastiche of pages torn from other magazines, the latter a series on contemporary artists); and the curating of the Caribbean Biennial in 1999 and the Berlin Biennial in 2006.



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Seeking Time, in Space (Scene four)

Guava, Mango and Mulberry Trees



Break! There’s nothing better than having a free period! And the best scenario is when the very last class of the day is cancelled, allowing all of us to leave school early. For me, this usually meant a free hour to explore new places. I loved going into the western section of Ain Shams with my neighbourhood friends—I lived in the eastern part of Ain Shams, which is closer to the city centre and which I’d grown bored of by then. The western section, however, bore a much stronger resemblance to the countryside: Many of its houses were built of clay, and there were more fields and vegetation there. On other days, I would head north towards Izbat An-Nakhl or Al-Marg.

One day when we got out of school early I went off with my friend Mohammad, whose father was a poet (at the time I did not know what being a poet meant, or where exactly the poets all worked). We went to a small villa near the school which had a little garden with a few trees. Guava fruits hung like shining yellow lamps amidst the dark green leaves, and their enchanting smell entered our nostrils. We put down our schoolbags just outside the fence of the villa, knowing that the owner of the house was an old woman who didn’t come out very much. We climbed onto the iron gate, then onto the fence, and from there to the tree. We devoured all the guavas our stomachs could hold and also picked a few to eat on the road, and perhaps also to serve as proof of our courageous raid to our schoolmates.

Moments before we were about to climb down, we saw the old woman who owned the villa open the door. We held our breath. She came out of the house calmly, without once lifting her head to the tree, then opened the gate, picked up our two bags, walked back inside the house and closed the door behind her. My stomach was suddenly thrown into disorder, and the taste of guava suddenly grew bitter. We no longer had a heroic story to tell our friends, but rather one of failure and impending doom.

Mohammad and I climbed down the same way we’d come up. We stood nervously outside the gate a while, not knowing what to do. It seemed as if fate had struck us down: We were caught red-handed stealing fruit, and could not go home without our bags. Finally, the woman opened the gate and told us to come inside. We hesitated, but there was nothing for it. The good woman gently reproached us, then said that she was familiar with our school, and even knew my father Eltayeb and Mohammad’s father Mukhaymar. In our anxiety, we really thought that she would tell them what we had been up to. We promised to never steal again, and in turn she promised to say nothing to either the school principal or our parents. She gave us our two bags, but before we could make our escape out the gate she told us to stop, and then went inside the villa. She returned with a few guava seeds for each of us, and gave us a warm smile that I’ll never forget.

*****

It was as if an angelic—or perhaps satanic—force in the trees drove us to the guavas. I was quite overwhelmed whenever I looked at trees like those, for they always tempted me to stretch out my hand and pluck a fruit, then smell it, and finally eat and enjoy it, and only after all of this might I perhaps consider whether I should have first asked the owner’s permission.

There was a large mango garden not too far from our home, just across the railroad tracks that divide the district of Izbat An-Nakhl from Ain Shams. The secret fruit of this garden lured us children in from all over; we swarmed towards it like wasps, and once there we’d throw small bricks at the unripe mangoes. To justify these sorties, we claimed that we were learning our lessons in that garden. And so it was that we embarked upon that new study method called “memorizing while walking.” It was a silly method and I didn’t think much of it, yet we found that some of the older schoolchildren did in fact study this way; and though they seemed to resemble oxen tied to waterwheels, still we followed their lead, repeating the words of the schoolbooks out loud in order to memorize them. It was a strange method, and I only adopted it to get close to the mangoes—and certainly not for the sake of my studies. The owner of the garden later became aware of this trickery that greatly reduced the yield by ruining so many of his mangoes. The strange thing is that we used to eat those tart fruits with great satisfaction, without giving any thought to the damage we inflicted on their poor owner, whose garden we were wrecking with our mischievous, childish stupidity. We even used to laud ourselves for our courage and heroism in that garden!

*****

The mulberry trees that grew near the Farouq village were safe from neither our hands nor our stomachs. Those trees have all vanished now, without leaving the slightest trace behind—tall towers were built in their place, and quickly filled up with large masses of residents. Yet back then, we used to attack those trees in ravaging swarms. We climbed up them with the dexterity of apes, then, much like the silkworm that devours the mulberry leaves, we devoured the mulberries themselves. We stayed up there a long time, hidden among the branches, and did not come down until indigestion overcame us. If our presence was discovered, we would make a hasty escape. Yet we always came back to carry out our delightful raids in that great forest of mulberry trees.

*****

Several years later we conducted a similar raid on some of the farms in the district of Izbat An-Nakhl. It was the first time I had ever seen tomato bushes, and until then I had thought that tomatoes grew on trees like mangoes or oranges. May God have mercy on the gardening teacher who used to herd us into the school courtyard to clean it up and gather leaves, and who never once taught us something useful about gardening, such as the difference between cultivating potatoes and strawberries.

That day, as I went with my brother Khaled and our friend Mahir to Izbat An-Nakhl, it seemed as if we were unknowingly following in the footsteps of those ancient European explorers who sought out gold. Our eyes were dazzled by the alluring glow of the tomatoes (and I suddenly understood why the vegetable sellers always called out that their tomatoes were “jewels” and “sweeter than pomegranates”). We went down into the field at the quiet time around noon on a hot summer day, and began devouring the plentiful tomatoes in delight. No more than a few moments had gone by when we heard yelling: “Catch them! Stop them! Cut them off!” Several farmers were heading in our direction. I was a fast runner, and I took off and did not stop until I was near the eastern border of Ain Shams, my safe haven. I sat panting in the shade, by the wall of a clinic. In my mind, I could see the farmers with Khaled and Mahir: They had surely been caught, and were now undergoing their torture and interrogation, and soon the farmers would come to our home and there’d be a huge scandal. Or perhaps the farmers had beaten them severely or even killed them—and what was there to stop them, for were we any better than common thieves? These thoughts accosted me as I waited for Mahir and Khaled, unable to pry my eyes from the direction of the crime. I could not go home, and I stayed there a long time, squatting like a tired old man or a fugitive without shelter. I suddenly realized that I was still holding a stolen tomato in my hands—it was warm and its distinctive smell climbed to my nose, causing hints of former pleasures to mix with my premonitions of doom. Yet I could not eat it, and it was as if the tomato in my hand had suddenly gone bad. I remembered how my family had taught me to behave well and avoid disgrace, how my school teachers had shown us wrong from right, and I thought about the warnings of the religious men and their distinction between halal and haram5. Yet I could not toss away the tomato either, for I had also learned that throwing away God’s bounty is also haram. I finally set it down beside the wall and asked the Lord for forgiveness for my evil deeds. I stood up with tears in my eyes, still thinking about the disappearance of Mahir and my brother. The pain in my stomach was intense, as was my desire to return home, and the way back seemed much longer than usual.

When I got home, I walked in expecting a question about my absent brother, and then a detailed interrogation that would force me to confess. Yet my brother met me with a smiling face as if nothing had happened. He must have come home some other way, perhaps taking the bus that ran that route.

He told me that those farmers were kind and even generous to them. They didn’t do anything to the two of them after they caught them, but rather asked where they were from and said that if they wanted some tomatoes they only had to ask the owner, and he would certainly give them all they wanted. The farmers then proclaimed, “Our Lord’s bounty is great!”, and finally gave them even more tomatoes to take with them.



< previous scene



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Porque é que nunca houve mulheres artistas que conseguissem chegar a ser grandes artistas?

Aqui está uma excelente pergunta, porque confesso nunca me ter perguntado sobre isto. Segundo Linda Nochlin, as mulheres artistas são mais introvertidas, mais delicadas e mais pronunciadamente expressivas na forma como fazem arte, e chega a comparar ambos os sexos em distintas e variadas formas de estar na sociedade, como por exemplo na profissão.

«Um homem que tenha a necessidade de envolvimento feminino com bebés ou crianças, ganha o estatuto de Pediatra ou Pedopsicólogo, com uma enfermeira (uma mulher) para fazer o trabalho rotineiro; aqueles que se sentem estimulados pela culinária criativa podem vir a ganhar fama de Chef de cozinha; e claro, os homens que se sentirem preenchidos pelo que é habitualmente denominado de “interesses artísticos femininos” podem vir a ser chamados de pintores ou escultores, em vez de serem assistentes de Museu voluntários, ou ceramistas em tempo parcial, tal como as suas homólogas femininas acabam; tanto quanto a sua habilitação profissional permite, quantos homens estariam dispostos a trocar a sua profissão de professores ou researchers por trabalhos “não-remunerados”, assistentes ou dactilógrafos de researchers em tempo parcial ou amas a tempo inteiro e por trabalhadores domésticos.» (NOCHLIN, Linda; 1988)

É certo que ainda hoje existam muitas diferenças entre os dois sexos no que diz respeito à profissão. Isto pode-se, desde logo, constatar na diferença salarial entre uns e outros com os mesmos cargos profissionais. Mas no sistema actual da arte vejo que, progressivamente, tem vindo a passar-se o contrário. Tem vindo a haver um crescendo índice de mulheres a ocupar cargos directivos de museus que o contrário, por exemplo. Há mais mulheres na programação, gestão, produção e comunicação, e outros cargos que eu, por lapso, possa não estar a incluir aqui, cujos não exigem um elevado grau de criatividade comparando-se com a actividade de um artista plástico ou de um curador, por exemplo. Acho que isto acontece porque as mulheres destacam-se por terem maior capacidade empreendedora que os homens. Isto é apenas uma constatação que faço, ao ver que num período de crise, como o foi no segundo semestre do ano 2009, as empresas que eram dirigidas por mulheres, conseguiram, antecipadamente, aperceber-se do que deviam fazer, efectivamente, para não cair na falência. Penso que essa será uma característica que se revela hoje como um forte argumento contra os homens.

Contudo e embora a questão porque é que nunca houve mulheres artistas que conseguissem chegar a ser grandes artistas? seja uma questão bastante pertinente de se colocar, sinto que, hoje, não há lugar para se falar de novos grandes artistas, porque para ser realista, quando terá sido a última vez que se falou num Grande Artista, num Génio?

Hoje isso só acontece nos filmes! Se considerar um grande artista como sendo aquele que vende imagens, posso facilmente recordar-me que Madona, por exemplo, e sendo ela mulher, foi, e continua a ser, uma sábia vendedora da sua própria imagem, ou melhor, os marketeers e todo o sistema souberam bem o que fazer para a tornar numa estrela pop. Quanto á música… bem isso é melhor nem dar a minha opinião. Será ela uma grande artista como tantas vezes se pode constatar nos órgãos de comunicação social? E já agora, são os órgãos de comunicação social que define o que é e o que não é um grande artista? Pelo menos é deles que se servem os artistas pop, porque sem maneira de divulgarem a sua imagem não poderiam jamais ter existido. O mesmo aconteceu com Andy Wharol, que fez da sua vida um estrelato mediático, um chamariz para os órgãos de comunicação. Os órgãos de comunicação adoravam-no, e as suas obras precisavam disso. As declarações do artista à imprensa faziam sempre parte da estratégia de Wharol e enfatizavam a condição pop das suas obras.

Contudo só pelo simples facto de se classificar ou até mesmo categorizar um artista, independentemente de ser homem ou mulher, está-se a fazer uma distinção. Essa distinção terá que ter a ver com o gosto pessoal, e quanto a isso nada a fazer ou a contestar, mas se for pronunciada pela crítica, é uma distinção que coloca o artista na condição da sua produção ser mais facilmente aceite pela sociedade, e em sequência mais possibilidades de este “reinar” no mercado das suas obras. Tomo como exemplo Damien Hirst, por muitos denominado como o “Pai da Arte Britânica”, tornou-se no artista mais caro de sempre nos leilões. Vendeu a sua escultura “Anatomy of an Angel” no leilão da galeria londrina Sotheby’s por uns descomunais 1.226.181€, concluindo uma excelente ronda de vendas com uns sensacionalistas 126.717.600 milhões de euros. E é isto que faz de Damien Hirst um grande artista? Não, porque por esta ordem de ideias em Portugal temos duas artistas, Paula Rego e Joana Vasconcelos, que também vendem abundantemente a sua produção e até mais que outros artistas homens portugueses, e não são consideradas grandes artistas. Por isso excluindo das hipóteses que o comércio da obra possa ser um dos factores que estipula socialmente o que é ou não é um grande artista, sobra debruçar-me sobre a origem do “Grande Artista” na história da arte.

Segundo a noção histórica da autora, a origem do “Grande Artista” vem daquele que é genial no que faz, e ser genial é ter embutido na sua alma uma força atemporal e misteriosa que lhe concebe, perante a sociedade, a designação de Grande Artista.

«Os poderes sobrenaturais do artista como imitador, o seu forte controlo, possivelmente poderes perigosos, funcionaram historicamente para o destacar dos outros como um Deus criador, o que cria alguma coisa a partir do nada.» (NOCHLIN, Linda; 1988)

E de onde vem essa capacidade única de os artistas saberem traduzir a realidade de forma tão fiel que a representação parece tão real quanto a realidade que representaram? Se eram “poderes” exclui-se a hipótese que esses artistas tenham sido ensinados a ter “poderes”. Auto-didactas? Também não me parece. Segundo a autora, era uma capacidade inata. Já fazia parte do indivíduo esse condão que o faria, não muito mais tarde, ser um Grande Artista. A verdadeira condição de “filho de peixe sabe nadar”, poderá estar na origem disto. Mas e porque é que essa capacidade inata nunca aconteceu a uma mulher? Será, na minha perspectiva, porque as mulheres, não tinham privilégios na religião e eram interditas a informações de cariz intelectual, e filosofias que pudessem vir a pô-las numa condição libertadora e originar a revolta feminina contra o sistema? A mulher, para a religião, será sempre a culpada de todos os males e por isso a sua condenação será a tempo indeterminado a submissão à vontade do homem. Não tendo elas a oportunidade de serem vistas de outra forma pela religião, limitaram-se a ter que cumprir com o que Deus lhes condenara?

E foi esta a principal luta dos movimentos feministas que surgiram em Inglaterra e Estados Unidos da América nos séculos XIX e finais do século XX. Estes pretendiam equilibrar a desequilibrada balança dos direitos sociais e políticos. Esta luta reflectia-se também na sua arte. Contudo, e segundo a autora, estas feministas erraram quando lhes foi pedido o seu conceito de arte. A perspectiva das feministas sobre arte era uma perspectiva pobre em conceito e muito naif. Para elas a arte era o veículo de expressão dos seus sentimentos de revolta e que pretendiam transmiti-los para a sociedade. Assim, a estratégia ficou entorpecida e absorveu-se. A nível social foram conseguidas grandes conquistas, como o seu direito ao voto, crescimento das oportunidades de trabalho e salários mais próximos aos dos homens, embora que muito longe ainda de oportunidades e promoções que se possam equiparar, direito ao divórcio, e o controlo sobre o próprio corpo na saúde, e agora em alguns países desenvolvidos, o direito ao aborto. Contudo, em 1949, a declaração de Simone de Beauvoir em O segundo sexo, defende que a hierarquia entre os sexos não é uma fatalidade biológica mas sim uma construção social. E isto vem estreitar ainda mais o conceito de que a mulher pode ausentar-se de tudo aquilo para o qual lutou e preocupar-se unicamente com a sua aptidão de formar e cuidar da família? Será sempre esta a concepção que delimita o que deve uma mulher fazer?



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O falso mercado das coisas

As palavras “Indústria” e “Criativa”, nunca antes tinham sido utilizadas uma imediatamente a seguir à outra para explicar um fenómeno social que foi percebido nos anos 40 por Theodoro W. Adorno. Isto permitiu estreitar a ilusão sobre as práticas puramente comerciais de um grosso das instituições criativas como a rádio e a televisão, por exemplo. “Os segmentos que constituem hoje o fenómeno Indústrias Criativas são segmentos do sector criativo da Publicidade, Arquitectura, Artes e Antiquários, Artesanato, Design, Design de Moda, Cinema, Vídeo, Software Interactivo de Entretenimento, Música e outras Artes Performativas, Edição, Software, Serviços de Informática, Televisão e Rádio. Havendo relações económicas com outros domínios, tais como o Turismo, Museus e Galerias, Património e Desporto.” A evolução destes segmentos e o aparecimento de alguns desde os anos 40 até hoje, ao contrário do que dizem, não foi nem é tecnológica, isso é apenas uma forma pomposamente artificial que as indústrias têm de enganar o comprador/consumidor e iludi-lo a comprar para se fazer sentir parte de um grupo de pessoas, que são mostradas pelas mesmas indústrias de forma artificial com sendo “o grupo ideal ao qual tu também deves fazer parte!” (esta geralmente é a mensagem que se encontra nas publicidades). Esta é a política de hoje! O que hoje é produzido, só pelo simples facto de ter sido hoje criado, não será necessariamente sempre melhor do que o que foi produzido antes. Na verdade, muitas das coisas que são feitas hoje, são sempre piores que as que foram feitas antes, só que apelam ao interesse através do seu aspecto estético porque foram trabalhados para esse fim. Não é por acaso que o tempo de vida de um objecto ao longo dos tempos tende a vir a ser cada vez menor, para acelerar o processo cíclico de compra em jeito de reiteração do mercado. É um pouco como ser crente numa religião. Nada é concreto, nem mesmo as palavras, e tudo é aceite como se fosse realmente a coisa mais verdadeira do mundo, mas na verdade não o é. Porque é que se acha que a bíblia, por exemplo, é o livro mais lido em todo o mundo? Não será porque quando é lida, é lida para vários grupos de forma padronizada e ritualizada?…

Tomo como exemplo, o comércio de música. Hoje os discos de Vinyl foram completamente banalizados pelos Cd’s, porque tornaram-se demasiadamente grandes para transportar (este foi o pensamento que o mercado incutiu nos compradores) e porque envolviam custos de produção elevados. Já ninguém, ou quase ninguém, compra discos de Vinyl. No entanto e por sua vez, os Cd’s também já têm os seus dias contados por causa dos mp3’s. Se se tomar consciência apenas na qualidade de som que cada “evolução” trouxe, deparamo-nos com a chocante falta de qualidade que os Cd’s nos oferecem comparativamente com os discos de Vinyl, e ainda pior se se comparar o incomparável, ou seja, os mp3’s com os Vinyls. Comprimir, comprimir, comprimir! A onda de som quando é comprimida torna-se menos rica sonoramente. É esta a noção de evolução na distribuição da música no mercado?! Não parece que seja a mais correcta. Pode-se, no entanto, não comprar Cd’s nem mp3’s e gastar o dinheiro bem gasto num concerto. O pior é que até os concertos já apresentam muito pior qualidade que nas décadas libertadoras e criativas 60 e 70, por exemplo, e no final do concerto lá está a famosa barraquinha com Cd’s e t-shirts, porta-chaves e tudo mais que se possa imaginar à venda. Como se pode constatar, em todos os casos, seja os concertos, os discos de Vinyl, Cd’s, ou mp3’s, existe uma desmultiplicação do comércio da música camuflado por um apetrecho progressista da imagem. Hoje uma banda sem imagem não vende! Vejo só uma resposta a isto. O Marketing, porque serve-se sempre de algo que seja concreto ou aparentemente concreto, utiliza maneiras de persuasão para seduzir o público-alvo para um produto. É como acontece nas religiões quando mostram uma idealização de um santo ou de um Deus! É tudo feito em jeito ilustrativo da coisa ou da ideia. Para se ter a noção como é que isto funciona no mercado de uma outra Indústria, desta feita a Indústria do Cinema e a sua distribuição em Portugal, deixo um excerto de um texto de António Quintas, especialista de marketing de Cinema.

“Neste final de ano, acentuou-se uma preocupante dependência do mercado nacional em relação aos blockbusters. O público para outro tipo de filmes parece ter-se afastado das salas, criando um vazio entre “filmes grandes” e “filmes pequenos”. A famosa expressão “pescadinha de rabo na boca”, que designa um ciclo vicioso ou algo que se perpetua por responsabilidade própria, aplica-se como uma luva ao estado presente da distribuição e exibição de cinema em Portugal. Refém do medo da crise e das notícias que profeciam desgraças provenientes da pirataria e da desertificação das salas – papões que regressam ciclicamente – o sector assumiu uma posição defensiva. Nota-se uma diminuição nos orçamentos de marketing dos filmes e apenas uma pequena parte das estreias em Portugal tem uma campanha de lançamento digna desse nome. Os restantes são colocados nas salas com a secreta esperança de que a imprensa fale deles, que a palavra se espalhe e que, apesar de tudo, não dêem prejuízo. É uma atitude que se compreende, numa altura de retracção económica generalizada. No entanto, esta aversão ao risco tem consequências que já se fazem sentir.”

Deste excerto toma-se nota de três coisas: O mercado é um ciclo vicioso que aposta sempre na mesma coisa; a principal preocupação desta indústria é vender sem que tenham prejuízos; A estratégia caiu num fosso lamacento e pretende renovar-se e forma a trazer as mesmas pessoas, mas apresentando menos qualidade técnica.

A outra cara do mercado não passa de um “esquematismo de procedimentos que mostram o mesmo produto (..) mecanicamente diferenciado acabando por revela-lo como sendo sempre a mesma coisa.” Isto origina uma falsa identidade que se apresenta como uma outra escolha, mas que na verdade é apenas uma alteração estratégica de nomes / marcas para embutir um sentimento no comprador / consumidor de sensação de estar a consumir uma coisa completamente diferente da outra. Já Platão dizia que a coisa não se pode confundir com o nome dela mesma nem com a imagem, porque se assim fosse tudo se tornaria confuso e ninguém distinguiria a coisa do nome da coisa nem a coisa da imagem da coisa. Tudo seria duplo de si mesmo. Hoje existe essa confusão, e é sentida nas várias camadas do mercado. Confundir a origem de produção (um só nome, uma só empresa) com o seu desmultiplicamento em vários nomes diferentes (várias lojas com nomes diferentes) é o exemplo que o Adorno deu e que foi citado mais acima e que se aplica na nossa contemporaneidade. Uma cadeia de Hiper-mercados é o reflexo disto, embora não sendo uma Indústria criativa. As prateleiras nunca estão no mesmo sítio para nos obrigar a olhar para outras coisas que não foram percebidas numa visita anterior. Os folhetos apresentam promoções de coisas que estão perto de passar o seu prazo de validade, ou existem em pouca quantidade, ou estão já há demasiado tempo para ser vendidas. Os packs dos produtos obrigam-nos a levar um produto-extra, por isso pagamos mais. Na secção das frutas e legumes, já poucas coisas se vendem avulso e apresentam-se cada vez mais com menor qualidade. As marcas brancas!… E por fim, todos os Hiper-mercados são um mesmo.

Para além disto o sistema falsamente faz pensar que o acesso é múltiplo e de escolha ampla e em alguns casos é livre, mas de facto o acesso nunca é livre. Um download grátis na Internet nunca chega a ser grátis, por exemplo, porque o serviço de Internet é sempre pago só pelos simples facto de ser utilizado. No fundo nós neste sistema somos como o burro que corre atrás de uma cenoura. Por muito que o burro corra, não vai conseguir apanhar aquela deliciosa e alaranjada cenoura que diante dos seus olhos se apresenta. Por muita sorte que tenha conseguirá apenas aquelas desinteressantes folhas verdes da cenoura, que por se balançarem deu a única oportunidade para que o burro pudesse contentar-se com uma ou duas trincadelas das folhas.

Vivemos no sistema da “montage” e das “collages” das mesmas coisas repetidamente repetidas que se repetem num loop, mas com o nível de espectacularidade no extremo, tornando tudo muito confuso e pouco definido para que o comprador / consumidor não saiba concretamente o que realmente está a consumir. Daí usar-se cada vez mais uma frase abre-olhos: “Hoje ninguém dá nada a ninguém” ou “isso é fogo-de-vista”. A bem dizer, hoje há muitas coisas que são feitas abandalhadamente. A despreocupação na apresentação das coisas convenientemente está implícita.



Relacionado com o texto A Arte e a Finança



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Manual de sobrevivência dos artistas! (galerias comerciais)

Como será que um artista se auto-sustenta? Muitas pessoas que não são artistas pensam acerca disto, e muitos jovens artistas também o pensam!

Como será que um artista faz dinheiro? Muitas pessoas questionam-se acerca disto, mas muitos artistas não fazem a menor ideia de como realmente fazê-lo! No senso comum, fazer dinheiro = vender as minhas obras de arte, mas existem inúmeras maneiras de o fazer!



1.
Como hás-de vender o teu trabalho?
Galerias comerciais



Geralmente as galerias comerciais vendem o trabalho dos artistas à comissão. Normalmente as galerias comerciais comissariam cerca de 40% a 50% da venda do trabalho. Isto é determinado por contracto com o artista. Uma vez haja um acordo contratual com a galeria ou numa relação verbal (não aconselhável) com a galeria. É preciso ter-se em conta que a palavra só vale o que vale quando escrita, por isso mesmo que não se vá pelo caminho contratual nunca se deve confiar na palavra amiga que sai da boca simpática do galerista. A comissão dos 40% a 50% que por norma as galerias comerciais aplicam, não bem vista pelos artistas, mas se se tiver em conta que os materiais para a realização do produto são muitas vezes financiados pelas galerias, e que também estas têm a obrigação de publicitar ao máximo o nome do artista. Por isso valerá sempre a pena a boa vontade e ceder aos 40 ou 50%, porque afinal de contas “a coisa” fica ela por ela.

Contudo existe duas questões que de certeza já devem ter passado na cabeça de qualquer um de vós. A primeira é “são as galerias comerciais essenciais para uma carreira artística?”. E a segunda “como se consegue ser representado por uma galeria?”.



Serão as galerias comerciais essenciais para uma carreira de artista plástico?

Uma grande parte dos últimos 100 anos, os artistas venderam os seus trabalhos através de galerias comerciais. O que se pode esperar, ou não, da representação numa galeria? É uma questão que deve permanecer na tua cabeça durante a leitura deste guia!

Atrás foi apresentada uma das maneiras de como um artista pode ser representado por uma galeria comercial – através de um contracto que estabelece as percentagens de comissão tanto para uma parte como para a outra. No entanto existem muitos outros tipos de contracto que pode ser realizado com a galeria:



Contracto de consignação

Um contracto de consignação é escrito quando o artista especifica um número exacto de obras para a galeria, para que esta venda durante um tempo determinado. É feita uma lista das obras que foram consignadas. O tempo que as obras ficam consignadas à galeria é determinado pelo artista, para que, caso algumas obras não sejam vendidas, as obras retornam ao artista. Uma deadline de pagamento deve ser também acordada entre as partes. Usualmente as galerias totalizam o pagamento ao artista das obras vendidas que foram vendidas num prazo de 60 dias (ou dois meses). Normalmente este tipo de contracto é formalizado quando se trata de mostrar colectivas.



Contracto de representação

Este tipo de contracto dá à galeria o direito de vender qualquer um dos trabalhos que o artista produz. A galeria comercial ou os negociantes de arte passam a ser os representantes exclusivos do artista e são elas que passam a representar-te como um dos artistas da galeria. Este tipo contracto dá o privilégio de se ter exposições a solo na galeria contratante. As exposições podem, ou não, estar discriminadas no contracto. Este tipo de moderações contratuais podem parecer limitativas para o artista, mas podem ser também uma maneira de o artista ter uma segurança a nível financeiro, caso o trabalho venda bem. Este tipo de relacionamento da galeria com o artista, é um dos mais fechados entre todos.



Outros acordos

Muitos outros acordos podem existir entre um artista e uma galeria, por exemplo, uma galeria da tua área pode querer representar-te e mostrar o teu trabalho especificamente e apenas só nessa área geográfica, contudo isso dá liberdade para que se possa procurar por uma representação numa outra galeria fora dessa área.

Muitas galerias não vão aceitar um contracto que comprometa a representação da tua carreira. Provavelmente numa primeira fase de antecipação ao contracto de representação, as galerias optam por mostrar o teu trabalho numa colectiva ou até mesmo numa exposição a solo apenas com o intuito de perceber a receptividade do público. Qualquer uma destas escolhas será sempre uma óptima oportunidade para mostrares o teu trabalho e qualquer esforço da tua parte para venderes o teu trabalho será muito bem vinda pela galeria e pode muito bem colocar-te a um passo de seres representado pela galeria, que estabelece, desde logo, uma afinidade na tua relação com a galeria.



As tuas obras vão estar no mercado da Arte

Uma das vantagens em ser representado por uma galeria de arte comercial é o facto de em retorno receberes a tua parte da comissão que ficou acordada em contracto e ainda mais importante que isso o teu trabalho será promovido. As práticas comuns das galerias são as newsletters, os press releases, distribuir ou disponibilizar no site da galeria os press releases para a comunicação social, as inaugurações são pagas pela galeria, pagam os transportes de entrega das obras quando necessários e se discriminado em contracto, responsabilizasse pela gestão da informação textual e das imagens do teu trabalho para a imprensa e outras instituições da comunicação social. Estas vantagens permitem-te focalizares-te no unicamente no teu trabalho alargando o espectro de visibilidade do teu trabalho. Contudo é sempre bom não encarregar exclusivamente a galeria da promoção do teu trabalho. Cada vez mais um artista tem que se munir de ferramentas de comunicação capazes de facilmente abranger um público interessado. Por isso aconselho duas maneiras de o fazer sem custos; a primeira é a construção de um blogue e a segunda é ter uma conta no facebook. Isto é mais que suficiente para se promover com sucesso aquilo que fazemos e à maneira que tu bem entenderes. O blogue é uma boa solução para aproveitar visitas que despertaram curiosidade no teu trabalho através da bem sucedida comunicação da galeria, e querem saber mais. Por isso no blogue não se faz a repetição do espaço que te é reservado no site da galeria. Aconselho a colocar coisas diferentes e algumas entrevistas para apresentar um grau de credibilidade satisfatório.



O prestígio de uma galeria

Alguns artistas são mais famosos que outros. Algumas galerias são mais famosas que outras. Qual deles vem primeiro; o artista famoso ou a galeria famosa? Isto é uma questão do ovo e da galinha. Seria extraordinário ser escolhido por uma galeria famosa logo no final de um curso superior, mas isto só acontece com pouca frequência. As galerias têm reputações e tu deves prestar muita atenção a isso. Uma galeria que não seja famosa mas que tenha uma boa estratégia de promoção de novos artistas, será se calhar a melhor coisa a acontecer antes de se ser representado por uma galeria famosa. Numa galeria famosa o teu trabalho terá uma espaço muito mais restrito e será “abafado” por grandes nomes. Não é que eu acha que exista melhores artistas que outros, porque isso estou eu seguro que não existe, mas o mercado vê as coisas assim! “Se é caro é porque é bom”.



As galerias vendem o teu trabalho

Os contactos que a galeria tem e que vai adquirindo à medida que a sua estratégia de comunicação é filtrada, são um bom instrumento para vender o teu trabalho. Os galeristas conhecem coleccionadores que podem ter interesse no tipo de Arte que fazes. Maioria dos coleccionadores usam os galeristas como muletas que os ajudam a definir um linha de compra para as suas colecções, mas outros não. Algumas galerias relacionam-se com outras galerias noutras cidades, tornando possível um alargamento geográfico do teu trabalho, na mesma medida que possibilita outros públicos, também eles interessados mas com menos capacidade de mobilidade, verem o teu trabalho e provavelmente comprarem-no. Mais importante que isto tudo é a galeria relacionar-se com museus que ajuda a vender o teu trabalho e acima de tudo legitimar o teu trabalho. Por isso é importante saber-se previamente que ligações tem a galeria com outras galerias e museus. Essa informação pode ser conseguida se se pedir a um dos artistas representados pela galeria. Isto será, por certo, um factor determinante para acalçares as tuas ambições.



O espaço indicado para mostrares o teu trabalho

O espaço onde um objecto de arte é mostrado, tem uma grande influência em como o público o interpreta. Se o objecto for mostrado num espaço com demasiado ruído visual, o objecto fica tímido e a intensidade perde-se condenando-o ao fracasso, e isso não é em nada o destino que se quer para o trabalho de um artista. As galerias comerciais, por norma, têm um especial cuidado na manutenção do espaço e na manutenção integra das obras que a ela ficaram ao encargo. As galerias podem trabalhar com curadores ou comissários ou o galerista ter uma certa noção correcta da curadoria de uma exposição. Pelo menos deve haver uma preocupação em perceber qual a metodologia de desenho e planificação das exposições da galeria, e nada melhor que visitar a galeria para ver regularmente as exposições dos artistas que ela representa.



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THE PORTFOLIO PROJECT | thinking photography differently

PEDRO AMARAL
Sinto muito
da série Cesariny em Polaroids

Copyright © THE PORTFOLIO PROJECT | thinking photography differently



Dora Santos Silva
at http://culturascopio.wordpress.com
10, Novembro, 2009



Como pensar a fotografia de forma diferente? “Reunindo na mesma plataforma on-line três conceitos-base – a de uma publicação mensal sobre fotografia, a de um espaço de formação contínua à distância orientado por profissionais e a de um portal associativo onde se divulgam projectos fotográficos individuais ou colectivos”, afirma Susana Paiva, coordenadora do The Portfolio Project, uma iniciativa pioneira em Portugal.

Fundado no princípio deste ano, o projecto tem, no entanto, um currículo excepcional, tendo realizado parcerias com diversas entidades para promover um discurso coerente sobre a fotografia. Actualmente, os contactos desenvolvidos com a associação cultural Casa da Esquina permitirão, já no próximo ano, a organização de oficinas de fotografia e exposições fotográficas, bem como a realização de residências artísticas para fotógrafos e editores fotográficos na cidade de Coimbra.

As galerias dos fotógrafos que integram a plataforma estão disponíveis no site do projecto, em www.theportfolioproject.org.

O trabalho fotográfico de Susana Paiva assume um cariz documental, no qual o imaginário se cruza com a realidade, como se de uma narrativa ficcional se tratasse. Depois de 15 anos a colaborar com diversas publicações nacionais, foi agenciada pela prestigiada agência de fotógrafos austríaca, Anzenberger. Em Janeiro 2009, fundou o The Portfolio Project.



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folhas, páginas e outros desenhos…

34 - 35alta resolução
www.isabelbaraona.com



ISABEL BARAONA
“folhas, páginas e outros desenhos”
exposição individual & lançamento do livro azul

14 de Novembro e 12 de Dezembro de 2009 | de 19 de Janeiro a 6 de Fevereiro de 2010
De 3ª a Sáb. das 15h às 19h. (Encerra: Dom., 2ª. e Feriados)
Rua Dr.Cândido Guerreiro, 26-30, Faro.

Inauguração: 14 de Novembro de 2009, Sábado, das 18h às 20h30.
Apresentação no Pátio de Letras: 13 de Novembro de 2009, sábado às 22h.

As obras apresentadas servem-se do desenho como forma privilegiada de investigação e inventariação de si na sua condição de jovem mulher. Logo aí, o manuseamento da tesoura, da agulha, da linha e a mancha vermelha no tecido, investigam códigos de separação dos sexos, sobretudo os que socialmente determinam o feminino. Depois, assumida plenamente a condição adulta, ainda que não abandonando o recorte e a colagem, é sobre o papel bidimensional que o lápis, o aparo ou o pincel, se impõem como meios de exteriorização de um mundo improvável, fantástico, terno e terrível, em que a maravilha da fábula se confronta com a crueldade e o medo, e em que o sonho é sempre perturbado pela crua realidade.

Na Artadentro, Isabel Baraona apresentará um vídeo e desenhos originais, destinados a publicação, integrando a série “os Livros de cores”, que compreende os títulos: “grafite”, “vermelho”, “negro”, “azul” e o desdobrável “is this me?”. Logo após a inauguração desta mostra na Artadentro, a autora fará uma apresentação da sua obra, ás 22h00, no Pátio de Letras, onde os seus “livros de artista” estarão à disposição do público.



Artadentro,
Vasco Vidigal



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CAIM

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Caim é o nome da personagem que dá título ao novo e polémico livro do prémio Nobel Português José Saramago. Polémico porque trata sobre uma coisa que se chama Religião Católica. Fiquei um pouco surpreendido com algumas declarações de alguns dos representantes que foram questionados a dar a sua opinião quanto às palavras ditas por Saramago na apresentação do livro. Quanto a mim nada melhor, seja para o que for, começar com uma polémica. Não quero com isto dizer que José Saramago montou uma estratégia muito bem montada contra a Igreja e os seus escritos. Nada disso!! Acho que é perfeitamente natural, um indivíduo, seja ele quem for, expressar a sua opinião acerca do que o rodeia. No entanto dizem que há limites para o fazer!!! Então o que dizem estas pessoas que afirmam haver limites quando dizem “liberdade de expressão”. Se vivemos em Portugal numa Democracia o slogan dela tem que ser mesmo liberdade de expressão. Não me parece que seja isso que estejam a fazer os que “em nome de Deus” vieram falar à televisão desancando no Saramago.

As críticas que Saramago faz à bíblia são tão credíveis como as críticas que a igreja faz a nós próprios. Por isso, como ninguém possui “a verdade absoluta”, e como Caim e a sua história são abstractos, tal e qual todas as personagens que integram as histórias da Bíblia, não pode haver mentes feridas por causa de se fazer uma confusão das palavras com a realidade. Uma coisa é o Saramago estar a contar a história do seu novo livro cujo tema é a questão indissociável da condição humana, e outra coisa é o Saramago estar pelas ruas a difamar a Igreja de forma gratuita. Daí eu achar que os representantes da Igreja Católica terem caído no erro de, forma gratuita, ter chamado Saramago de ignorante e de burro. Acho que não é lá muito ético criticar-se uma coisa , em que circunstância for, enxotando-a ou caluniando-a só pelo simples facto de se sentirem tocados pelas palavras por ele ditas. Simplesmente não entendo certas afirmações proferidas pelo Euro-Deputado Dr. Mário David que com uma objectivação puramente desenquadrada do tema de liberdade de expressão e liberdade de criação ousou usá-las para simplesmente aparecer e dar de si a sua aparência em forma de má intervenção política, ou até mesmo de Sousa Lara comparando Saramago a Berlusconi!!!!

Saramago em entrevista à Lusa sobre o tema do seu livro disse – “Nós, os homens, criamos Deus à nossa imagem e semelhança, não ao contrário. Por isso é tão cruel, má pessoa e vingativo. Deus e o demónio não estão no céu nem no inferno, estão na nossa cabeça.” E é mesmo na nossa cabeça que está. Agora cada indivíduo trata esta coisa do Deus à sua maneira.